Autor: Ricardo Gálvez

Los juegos de supervivencia y creación en mundo abierto continúan evolucionando a través de propuestas que mezclan exploración, progresión y cooperación, pero pocos lo hacen desde una ambientación centrada por completo en la magia. Witchspire apuesta precisamente por esa idea: transportar al jugador a un universo de hechiceros donde la construcción de asentamientos, la recolección de recursos y el combate se realizan mediante poderes arcanos en lugar de herramientas tradicionales. El resultado es una experiencia que combina elementos de los survival modernos con mecánicas propias de los juegos de rol y una fuerte presencia del cooperativo, todo ello dentro de un mundo artesanal repleto de criaturas fantásticas y secretos por descubrir.

Desarrollado por Envar Games, el título llega en acceso anticipado con una propuesta ambiciosa que todavía continúa creciendo. Aunque ya ofrece una base jugable sólida, también deja claro que muchas de sus mecánicas aún están evolucionando y que el proyecto seguirá ampliándose durante los próximos meses.

La aventura sitúa al jugador en un enorme mundo abierto donde la corrupción amenaza con extenderse por toda la región. Como aprendiz de una orden de magos elegida por la Torre Arcana, el objetivo consiste en explorar los diferentes territorios, descubrir el origen de esa amenaza y devolver el equilibrio al mundo.

La exploración constituye uno de los pilares principales de Witchspire. Los escenarios están diseñados para invitar a desviarse constantemente del camino principal en busca de recursos, criaturas, ruinas y secretos. Bosques, montañas, lagos y construcciones antiguas conforman un mapa de gran tamaño que recompensa la curiosidad con nuevos materiales, enemigos o zonas de interés.

A diferencia de otros juegos del género, la movilidad también está profundamente ligada a la magia. Los hechizos permiten invocar árboles para obtener madera, crear plataformas improvisadas, desplazarse mediante impulsos mágicos o desaparecer temporalmente durante un combate. Todo ello hace que recorrer el escenario resulte mucho más dinámico que limitarse a caminar entre distintos puntos del mapa.

Más adelante incluso es posible desplazarse utilizando una escoba voladora. Inicialmente su funcionamiento es limitado, pero conforme se restauran determinadas estructuras del mundo el jugador obtiene una libertad mucho mayor para moverse entre regiones.

Aunque Witchspire pertenece al género survival, elimina algunas de las mecánicas más habituales. No existe una barra constante de hambre o sed obligando al jugador a vigilar cada pocos minutos sus necesidades básicas.

En su lugar, la supervivencia gira alrededor del uso inteligente de los recursos mágicos. La madera, minerales, plantas, cristales y otros materiales permiten fabricar herramientas, mejorar equipamiento, construir edificios y potenciar las habilidades del personaje.

Este enfoque hace que la progresión resulte menos opresiva que en otros survival tradicionales, permitiendo centrarse mucho más en la exploración, la construcción y el desarrollo del personaje sin renunciar al componente de gestión.

Aun así, el ciclo de juego sigue siendo reconocible: explorar para conseguir materiales, fabricar mejores herramientas, acceder a nuevas zonas y desbloquear tecnologías que permiten seguir avanzando.

Otro de los grandes atractivos de Witchspire es su sistema de construcción. La base no funciona únicamente como un refugio donde almacenar materiales, sino como el auténtico centro de operaciones de la aventura. Gracias a la proyección astral, los edificios pueden colocarse con bastante libertad, incluso suspendidos sobre el terreno, eliminando muchas de las restricciones habituales de otros juegos del género.

Esto favorece construcciones mucho más creativas y permite diseñar auténticas fortalezas mágicas adaptadas al gusto de cada jugador. Además, conforme se desbloquean nuevas recetas aparecen estaciones de trabajo, laboratorios, mejoras defensivas y estructuras especializadas que amplían considerablemente las posibilidades del asentamiento.

Probablemente el sistema más original del juego sea el de los familiares. Durante la exploración aparecen numerosas criaturas mágicas repartidas por todo el mundo. Tras derrotarlas es posible capturar sus espíritus para convertirlas en compañeros permanentes.

Cada familiar posee habilidades diferentes y cumple funciones específicas dentro de la aventura. Algunos destacan durante el combate, otros ayudan en la recolección de recursos y varios facilitan tareas relacionadas con la construcción o la fabricación de objetos.

Además, estos compañeros evolucionan con el tiempo y pueden especializarse según las decisiones del jugador, permitiendo crear combinaciones muy distintas dependiendo del estilo de juego elegido.

Lejos de ser simples mascotas decorativas, forman una parte importante tanto de la progresión como del desarrollo estratégico de cada partida.

El combate mezcla ataques cuerpo a cuerpo, armas mágicas y habilidades especiales. Cada clase inicial comienza equipada con un tipo de arma diferente, desde bastones hasta espadas encantadas, aunque posteriormente es posible ampliar considerablemente el arsenal./imagen

Los enfrentamientos resultan ágiles gracias a la combinación de ataques básicos, esquivas, hechizos y poderes especiales. La posibilidad de cambiar rápidamente entre armas y familiares durante la batalla añade un punto táctico adicional, especialmente frente a enemigos de mayor tamaño.

La corrupción también introduce enfrentamientos contra criaturas antiguas y jefes que obligan a aprovechar correctamente las habilidades adquiridas durante la exploración.

Aunque las mecánicas de combate funcionan correctamente, todavía muestran margen de crecimiento. Algunos enfrentamientos pueden resultar repetitivos tras varias horas y ciertos enemigos presentan comportamientos relativamente simples en esta fase del desarrollo.

Uno de los aspectos donde Witchspire muestra mayor potencial es el modo cooperativo. El juego está claramente diseñado para disfrutarse junto a otros jugadores. La recolección de recursos, la construcción del asentamiento y la exploración del enorme mapa adquieren mucho más dinamismo cuando las tareas pueden repartirse entre varios miembros del grupo.

Además, el sistema de progresión permite que cada jugador adopte un rol distinto dentro de la expedición gracias a las diferentes clases, árboles tecnológicos y especializaciones disponibles.

Esto favorece la cooperación constante y convierte la gestión del asentamiento en un proyecto común donde cada participante aporta algo diferente. La experiencia en solitario sigue siendo perfectamente viable, pero buena parte del diseño parece pensado para que la aventura brille especialmente en compañía.

El desarrollo del personaje constituye otro de los puntos fuertes. Desde el inicio es posible elegir entre distintas órdenes de magos, cada una con equipamiento inicial y habilidades propias.

Posteriormente entran en juego varios sistemas de progresión simultáneos, como árbol tecnológico, niveles del personaje, fabricación de equipo, especialización de familiares, mejora del santuario, nuevos hechizos y talentos asociados a cada orden.

La combinación de todos estos elementos permite crear estilos de juego bastante diferentes entre unas partidas y otras.

No obstante, durante las primeras horas el juego ofrece poca información sobre muchas de sus mecánicas. Algunos recursos aparecen sin apenas contexto y determinados sistemas requieren experimentar por cuenta propia para comprender realmente su utilidad.

Visualmente, Witchspire apuesta por una dirección artística colorida y desenfadada. Lejos de buscar un tono oscuro, presenta escenarios luminosos, criaturas expresivas y un diseño fantástico que transmite constantemente sensación de aventura.

Los bosques, praderas, ruinas y zonas mágicas poseen una identidad propia y contribuyen a crear un mundo agradable de recorrer durante horas. La banda sonora acompaña especialmente bien la exploración mediante composiciones orquestales suaves que refuerzan el carácter fantástico del universo.

El conjunto consigue generar una atmósfera acogedora que encaja perfectamente con el enfoque cooperativo del juego.

Como ocurre con muchos títulos en acceso anticipado, Witchspire todavía presenta diversos aspectos susceptibles de mejora. La interfaz puede resultar poco intuitiva en determinados momentos, especialmente utilizando mando. Algunas opciones de los menús no siempre muestran claramente cuál es la selección activa y ciertas funciones requieren navegar por varias pantallas cuando podrían resolverse de forma mucho más directa.

También se echa en falta un diario o una enciclopedia más completa donde consultar recursos, materiales, criaturas y objetivos ya descubiertos. Al tratarse de un mundo amplio con numerosas mecánicas, disponer de un sistema de información más desarrollado facilitaría mucho la experiencia, especialmente tras varios días sin jugar.

Durante el acceso anticipado también se han detectado algunos errores técnicos propios de un proyecto en desarrollo. En determinadas actualizaciones algunos jugadores han visto alteradas configuraciones o incluso han tenido que reiniciar parcialmente su progreso, algo habitual en esta fase pero que conviene tener presente antes de comenzar una partida de larga duración.

La narrativa, por su parte, introduce conceptos interesantes relacionados con la Torre Arcana y la corrupción, aunque todavía desarrolla su universo de manera fragmentada. Gran parte de la información llega mediante documentos, conversaciones y recuerdos dispersos, dejando espacio para que futuras actualizaciones amplíen el trasfondo del mundo.

Witchspire presenta una propuesta muy prometedora dentro del género de supervivencia y construcción. Su combinación de exploración, magia, combate, creación de asentamientos y captura de familiares consigue ofrecer una identidad propia que lo diferencia de otros survival más tradicionales.

La libertad para construir, el sistema de compañeros mágicos y la posibilidad de afrontar toda la aventura en cooperativo constituyen algunos de sus mayores atractivos. A ello se suma un apartado artístico muy agradable y una ambientación fantástica que invita continuamente a seguir explorando.

Sin embargo, su condición de acceso anticipado todavía se deja notar en varios apartados. La interfaz puede resultar mejorable, algunos sistemas necesitan una explicación más clara y todavía aparecen pequeños problemas técnicos propios de un desarrollo activo.

Aun así, la base jugable resulta sólida y deja entrever un enorme potencial de crecimiento. Si el estudio continúa ampliando contenidos, refinando las mecánicas existentes y mejorando la experiencia general, Witchspire tiene argumentos para convertirse en una de las propuestas cooperativas de supervivencia y fantasía más interesantes de su género. Para quienes disfrutan explorando grandes mundos abiertos, construyendo bases junto a otros jugadores y desarrollando personajes mediante la magia, ya ofrece una aventura capaz de mantener el interés durante muchas horas mientras continúa evolucionando con futuras actualizaciones.

Un autómata recibe la orden escrita a mano, sin una sola línea de código de por medio: «cuando detectes la señal roja en el almacén, recoge el compuesto de cristal de la fábrica general y deposítalo en el almacén», y esa frase, tecleada como quien redacta una nota para un empleado de carne y hueso, basta para poner en marcha toda una cadena de producción. Brave New Wonders, desarrollado por City From Naught Inc. con LoongGate compartiendo tareas de edición, plantea un simulador de automatización industrial que sustituye el habitual entramado de cintas transportadoras y bloques de programación visual por algo mucho más directo: hablarle a tus propios robots en lenguaje natural y confiar en que entiendan exactamente lo que quieres decir.

La premisa se sitúa miles de años después de la caída de la civilización, en un futuro lejano que ya no conserva memoria alguna de lo que existió antes del colapso. El jugador asume el papel de un Pionero encargado de reconstruir esa civilización perdida desde cero, explorando las ruinas atmosféricas de un mundo antiguo todavía custodiado por máquinas hostiles y reuniendo reliquias capaces de arrojar luz sobre el auténtico misterio que envuelve la desaparición de la humanidad. Esa fusión entre la reconstrucción industrial pura y la investigación arqueológica de un pasado olvidado aporta un contexto narrativo poco habitual dentro del género del factory builder, que suele limitarse a justificar la propia cadena de producción con premisas mucho más esquemáticas, mientras que aquí cada nuevo avance tecnológico desbloqueado viene acompañado de fragmentos de una historia mayor sobre qué llevó exactamente a la extinción de la civilización previa.

El sistema de automatismos controlados mediante lenguaje natural constituye, sin ninguna duda, la aportación más disruptiva de todo el diseño, y la que distingue con mayor claridad a Brave New Wonders dentro de un género ya consolidado gracias a referentes como Factorio o Satisfactory. En lugar de tender cintas transportadoras físicas entre cada estación de la cadena de producción, o de programar comportamientos mediante nodos visuales interconectados, aquí basta con describir con palabras la tarea que se espera de cada robot: desplazarse entre tres puntos en un orden concreto, reaccionar a una señal de color específica, o ejecutar una secuencia condicional de recogida y entrega según el estado de un almacén determinado. Ese editor de comportamiento, que guía al propio jugador mientras redacta cada orden y que funciona en cualquier idioma sin exigir conocimiento previo de programación, democratiza un tipo de diseño de sistemas complejos que tradicionalmente exigía una curva de aprendizaje considerable, y esa accesibilidad no compromete la profundidad del propio sistema, sino que la traslada a un terreno de expresión mucho más cercano al pensamiento verbal cotidiano que al pensamiento estrictamente algorítmico.

Esa arquitectura de automatización se apoya, además, en un sistema de señales de colores que edificios y fábricas emiten y a las que reaccionan entre sí, permitiendo construir sistemas programables entrelazados a lo largo de toda la base sin necesidad de cablear físicamente cada conexión lógica. Esa capa de comunicación indirecta entre estructuras, combinada con la posibilidad de que los propios automatismos interpreten condiciones complejas expresadas en lenguaje corriente, aporta una flexibilidad de diseño que recuerda, salvando las distancias, a la manera en que otros factory builder han ido incorporando capas de lógica programable cada vez más sofisticadas, aunque aquí trasladada a un formato radicalmente más accesible que el habitual entramado de combinadores y circuitos que suele reservarse al jugador más avanzado dentro del género.

El propio ciclo de extracción y refinado, con minería de mineral y cristal transformada progresivamente en materiales refinados y componentes cada vez más complejos a lo largo de cadenas de producción ramificadas, mantiene la estructura de escalada tecnológica ya asentada dentro del factory builder, alimentada por una red energética en constante expansión que condiciona directamente la capacidad de sostener nuevas líneas de montaje. Esa exigencia de planificación logística, con fábricas, almacenes y rutas de transporte interconectadas entre sí, obliga a pensar la propia base no como una colección de estaciones aisladas sino como un organismo interdependiente donde cada cuello de botella repercute en cadena sobre el resto del sistema, y la herramienta de planos que permite copiar, pegar y duplicar en masa disposiciones enteras de fábrica en cuestión de segundos, conservando además las tareas ya asignadas a cada automatismo clonado, elimina buena parte de la fricción repetitiva que suele lastrar la fase de expansión en otros representantes del género, donde replicar una línea de producción ya optimizada exige normalmente repetir manualmente todo el proceso de construcción y programación desde cero.

El componente de exploración y combate introduce un contrapunto de acción directa a la vertiente puramente constructiva del juego: las ruinas del mundo antiguo, custodiadas por máquinas hostiles que han sobrevivido al colapso de la civilización original, exigen posicionar estratégicamente torretas defensivas, despejar obstáculos mediante dinamita y hacerse con reliquias armamentísticas capaces de devolver el golpe frente a esas amenazas. Esa inevitabilidad del enfrentamiento, reconocida explícitamente por el propio estudio, aporta una capa de tensión táctica que complementa el ritmo generalmente más pausado y reflexivo de la gestión de fábricas, y la recolección de reliquias que van moldeando tanto el propio mundo como la comprensión de su historia entrelaza ese combate con el hilo narrativo central del misterio sobre la extinción humana, evitando que los enfrentamientos se sientan como un simple obstáculo mecánico desconectado del resto de la experiencia.

El desbloqueo del antiguo Pilar del Cielo y la construcción de la primera Maravilla, una aeronave descomunal que funciona simultáneamente como flota aérea y como fábrica itinerante, marca el punto de inflexión estructural más ambicioso de todo el diseño: a partir de ese momento, la propia base deja de estar anclada a un único emplazamiento fijo y pasa a viajar junto al jugador entre distintas islas y continentes, cada uno con sus propios biomas, sus propios recursos exclusivos y sus propios avances tecnológicos por descubrir, desde las regiones nevadas de una Europa reconocible hasta el hallazgo de un antiguo robot humanoide que todavía conserva memoria del mundo anterior al colapso. Esa decisión de convertir la propia infraestructura industrial en algo móvil, en lugar de mantenerla fija en un único punto del mapa como suele ser habitual en el género, transforma sustancialmente la relación entre exploración y producción: aquí no hace falta elegir entre expandir la fábrica o descubrir nuevos territorios, porque ambas actividades avanzan literalmente de la mano, y esa fusión es, probablemente, el gesto de diseño más audaz de todo el proyecto.

El apartado visual construye un mundo post-apocalíptico atmosférico donde la naturaleza ha ido reconquistando poco a poco las ruinas de una civilización tecnológicamente avanzada, y esa estética de decadencia industrial salpicada de vegetación y de maquinaria oxidada aporta un contraste constante entre lo que fue y lo que ahora es, reforzando visualmente el propio misterio narrativo que atraviesa toda la aventura. La variedad de biomas repartidos entre las distintas islas y continentes visitables amplía considerablemente ese abanico estético a lo largo de la partida, evitando que el recorrido se sienta limitado a un único tipo de paisaje industrial repetido sin apenas matices, y la propia declaración del estudio de haber elaborado íntegramente a mano ilustraciones, modelos, texturas, animaciones, efectos de sonido, música y actuación de voz, sin recurrir a inteligencia artificial generativa en ninguno de esos apartados, aporta una garantía de artesanía humana poco habitual de encontrar declarada con esta rotundidad dentro del propio marketing de un producto comercial.

Esa misma honestidad se extiende al propio sistema de comandos en lenguaje natural, cuyo único uso de inteligencia artificial se limita a interpretar el texto escrito por el jugador para traducirlo en un grafo de comportamiento ejecutable, una función puramente instrumental que el propio estudio se encarga de aclarar frente a cualquier confusión con la generación de contenido creativo mediante IA, y que además puede evitarse por completo para quien prefiera ensamblar manualmente ese mismo grafo de comportamiento sin depender del procesamiento de lenguaje. Esa transparencia sobre el alcance exacto de la tecnología empleada, unida a la posibilidad de prescindir de ella si así se desea, demuestra una sensibilidad hacia las inquietudes actuales en torno al uso de la inteligencia artificial dentro del desarrollo de videojuegos que pocos estudios se molestan en abordar con este nivel de detalle explicativo.

El diseño sonoro, coherente con esa ambientación de misterio arqueológico y reconstrucción industrial, presumiblemente acompaña tanto los momentos de gestión pausada de la propia fábrica con una producción ambiental discreta como los tramos de exploración y combate entre las ruinas con una intensidad creciente, sosteniendo ese equilibrio entre la contemplación reflexiva de optimizar una cadena de producción y la tensión puntual de enfrentarse a las máquinas hostiles que todavía custodian los secretos del mundo anterior.

La vocación de desarrollo modelado codo a codo con su propia comunidad, mencionada explícitamente desde el arranque de la propia ficha del juego, sugiere una filosofía de crecimiento a largo plazo que probablemente irá incorporando nuevas mecánicas, biomas y sistemas de automatización conforme la propia base de jugadores aporte retroalimentación sobre el funcionamiento del ya de por sí ambicioso sistema de comandos en lenguaje natural, un componente tan novedoso dentro del género que su propio refinamiento continuado parece casi tan importante para el futuro del proyecto como la propia expansión de contenido jugable.

Reconstruir una civilización entera a partir de órdenes redactadas como quien escribe una nota cualquiera, viendo cómo un ejército de autómatas interpreta esas palabras y las convierte en una cadena de producción funcional que después se eleva literalmente por los aires junto al propio jugador rumbo al siguiente continente por descubrir, es la promesa que sostiene todo Brave New Wonders: la de un factory builder que se atreve a preguntarse si, después de todo, programar nunca debió depender de saber programar.

Un hexágono se ilumina bajo los pies de un campeón justo antes de activar su habilidad definitiva, y el resto del tablero contiene la respiración durante ese instante de cálculo previo a la ejecución: eso es HexaDome, la arena que Blindspot Games ha construido para trasladar el ya consolidado universo de Infinity —hasta ahora conocido sobre todo por su juego de miniaturas de mesa— al terreno del videojuego táctico por turnos, con el propio estudio asumiendo tanto el desarrollo como la edición de un proyecto que apuesta por el enfrentamiento directo en arena reducida antes que por la campaña extensa de otros representantes del género.

La premisa recupera la ambientación de ciencia ficción militarizada que ya caracteriza al universo de Infinity, trasladándola a una estructura de campaña que va desvelando progresivamente más detalles de ese mundo conforme se completan sucesivos enfrentamientos, mientras desbloquea de manera paralela nuevos campeones y elementos cosméticos para el propio equipo del jugador. Esa decisión de ir entregando la información de trasfondo a través del propio ritmo de partidas, en lugar de mediante secuencias narrativas extensas, mantiene el foco del proyecto firmemente anclado en el terreno del combate táctico, dejando que sea la progresión de desbloqueos la que sostenga el interés narrativo a largo plazo en lugar de una trama tradicional con peso propio.

El sistema de combate se articula en torno a la gestión de puntos de acción, un recurso limitado que obliga a decidir en cada turno si conviene lanzar un ataque inmediato, desplazarse hacia una posición de mayor ventaja táctica, capturar un objetivo estratégico repartido por el propio hexágono de juego, o simplemente reservar movimiento para reaccionar mejor a lo que haga el rival en el turno siguiente. Esa exigencia de repartir un recurso escaso entre múltiples opciones válidas, todas ellas con su propio coste de oportunidad, recuerda al tipo de gestión que ya perfeccionaron referentes consolidados del táctico por turnos como Into the Breach en su vertiente más ajedrecística, aunque aquí trasladada a un tablero hexagonal que amplía las posibilidades de posicionamiento respecto a la habitual cuadrícula ortogonal, permitiendo maniobras de flanqueo y aproximación con más matices angulares de los que ofrece el formato de casillas cuadradas más tradicional del género.

La composición del propio escuadrón exige combinar campeones especializados en roles claramente diferenciados: combate a distancia, cuerpo a cuerpo, control del campo de batalla mediante habilidades de contención o desplazamiento forzado de enemigos, y apoyo capaz de sostener al resto del equipo durante los enfrentamientos más prolongados. Esa estructura de arquetipos complementarios obliga a pensar la formación desplegada como un sistema interdependiente antes que como una simple colección de unidades poderosas por separado, y la posibilidad de desbloquear nuevos campeones conforme avanza tanto la campaña como la propia experiencia competitiva amplía progresivamente el abanico de combinaciones tácticas disponibles, evitando que la composición óptima del equipo se estanque en una única fórmula ganadora durante demasiado tiempo.

Las habilidades definitivas de cada campeón, capaces de decantar el resultado de un combate ajustado cuando se ejecutan en el momento oportuno, introducen ese factor de espectáculo táctico que el propio juego reivindica al hablar de impresionar al público durante cada enfrentamiento: acumular la energía necesaria para desatar esa habilidad de mayor impacto exige paciencia y gestión cuidadosa de los turnos previos, y esa recompensa diferida por el buen manejo del resto de recursos disponibles aporta un ritmo de tensión creciente a cada partida, con el propio clímax del enfrentamiento reservado habitualmente para el instante en que esa habilidad definitiva por fin puede activarse con garantías de éxito.

El sistema de cartas tácticas, que complementa la gestión pura de puntos de acción con un recurso adicional capaz de alterar las condiciones del propio combate, introduce una capa de planificación previa que recuerda a la manera en que otros títulos tácticos híbridos combinan el tablero de movimiento con mecánicas de deckbuilding más propias del género de cartas. Esa fusión entre el posicionamiento hexagonal y la gestión de un puñado de cartas con efectos específicos aporta una variedad de recursos tácticos que va más allá de la simple secuencia de movimiento y ataque, permitiendo introducir giros inesperados en el desarrollo de un enfrentamiento que de otro modo podría depender exclusivamente de la disposición inicial de las unidades sobre el tablero.

La estructura de desafíos tácticos, planteados con condiciones específicas y diferenciadas de la campaña principal, aporta un terreno de práctica y experimentación pensado para quienes buscan poner a prueba combinaciones concretas de campeones o dominar situaciones tácticas particularmente exigentes, mientras que el sistema de duelos, disponible tanto contra la inteligencia artificial como contra amigos o jugadores desconocidos en partidas amistosas o competitivas, traslada esa misma base mecánica al terreno del enfrentamiento directo entre humanos, donde la lectura de las intenciones del rival y la capacidad de improvisar sobre la marcha adquieren un peso considerablemente mayor que frente a un oponente controlado por la máquina.

Esa doble vertiente entre campaña progresiva y competición directa permite que Infinity: HexaDome Tactics se adapte tanto a quien prefiere ir desbloqueando contenido de manera pausada a través de un recorrido estructurado como a quien busca directamente la confrontación táctica contra otros jugadores, sin que ninguna de las dos aproximaciones se sienta como una simple opción secundaria mal resuelta respecto a la otra. La comunidad organizada en torno a un servidor de Discord propio, mencionada explícitamente desde el arranque de la propia ficha del juego, sugiere además una apuesta del estudio por mantener un canal de comunicación activo con los jugadores más entregados, un recurso habitual dentro de títulos con vocación competitiva que buscan sostener su propia escena a lo largo del tiempo mediante retroalimentación constante de la comunidad.

El apartado visual traslada la estética militarizada y de ciencia ficción tan característica del universo de miniaturas de Infinity a un formato digital que debe resolver, con recursos distintos a los de la maqueta física original, la misma identidad reconocible que ya cultivaron sus figuras de mesa durante años. Esa herencia visual, con sus armaduras de corte futurista y sus diseños de campeón cargados de detalle mecánico, aporta una base estética ya consolidada sobre la que construir el propio videojuego, evitando el punto de partida desde cero que suelen enfrentar otros títulos tácticos sin una franquicia previa detrás que sostenga su imaginario visual.

El diseño sonoro, coherente con esa ambientación de conflicto militar futurista, presumiblemente refuerza tanto la tensión de cada intercambio de turnos calculado como la explosividad puntual de las habilidades definitivas cuando finalmente se desatan sobre el tablero, sosteniendo el ritmo de partidas que, por su propia naturaleza de enfrentamiento en arena reducida, tienden a resolverse en sesiones considerablemente más cortas y concentradas que las de un táctico por turnos de campaña extensa más convencional.

Trasladar un universo ya asentado en el mundo de las miniaturas de mesa al terreno del videojuego táctico exige un equilibrio delicado entre la fidelidad al material original y la adaptación a un formato completamente distinto de interacción, y HexaDome Tactics encuentra ese punto medio apostando por combates concentrados, tácticamente densos y pensados tanto para la progresión pausada de una campaña como para la inmediatez competitiva del duelo directo, demostrando que el hexágono, con su geometría más flexible que la cuadrícula tradicional, todavía tiene margen para aportar matices frescos a un género que lleva décadas explorando variaciones sobre el mismo tablero.

Los videojuegos ambientados en la Primera Guerra Mundial suelen centrarse en las grandes ofensivas, el espectáculo bélico o la recreación de batallas históricas. Sin embargo, existe otra forma de abordar este conflicto: dejando a un lado la acción para poner el foco en las personas que lo vivieron. The Caribou Trail sigue precisamente ese camino. En lugar de convertir la guerra en un desafío de habilidad o en un desfile de enfrentamientos armados, construye una experiencia narrativa que explora la rutina, el compañerismo y el desgaste psicológico de un grupo de jóvenes enviados al frente de Gallípoli.

Desarrollado por Unreliable Narrators, el título se inspira en testimonios reales de soldados de Terranova que participaron en la campaña de Gallípoli durante la Primera Guerra Mundial. El resultado es una aventura en primera persona que combina hechos históricos con elementos de ficción para ofrecer un relato profundamente humano, donde el verdadero enemigo no siempre es quien dispara desde la trinchera contraria, sino el miedo, la incertidumbre y la sensación constante de que cualquier día puede ser el último.

El jugador encarna a Fisher, un joven pescador de Terranova que, junto a sus amigos Gordon y Lonnie, decide alistarse para apoyar al ejército británico convencido de que la guerra será una aventura breve antes de regresar a casa convertido en un héroe.

La realidad resulta muy distinta. Nada más llegar al frente, la ilusión desaparece para dar paso a un conflicto marcado por el barro, el hambre, las enfermedades, las interminables esperas y una violencia que rara vez se presenta como algo glorioso. La campaña de Gallípoli sirve como escenario histórico, pero el objetivo del juego nunca consiste en explicar la estrategia militar ni recrear las grandes ofensivas. Lo importante son las personas atrapadas dentro de ellas.

Cada uno de los protagonistas posee una personalidad claramente diferenciada. Gordon utiliza constantemente el humor para aliviar la tensión, incluso en los peores momentos. Lonnie conserva una inocencia impropia de un campo de batalla y encuentra refugio en las historias y supersticiones populares. Fisher, por su parte, actúa como el equilibrio entre ambos, siendo el personaje a través del cual el jugador experimenta el progresivo desgaste emocional provocado por la guerra.

Las relaciones que se establecen entre ellos constituyen el auténtico núcleo de la experiencia. Sus conversaciones, bromas, discusiones y silencios transmiten una cercanía que hace que el jugador termine preocupándose por ellos mucho más que por cualquier objetivo militar.

Uno de los aspectos más interesantes de The Caribou Trail es el conflicto histórico que decide representar. La campaña de Gallípoli apenas ha sido tratada por la industria del videojuego pese a su enorme importancia dentro de la Primera Guerra Mundial. La ofensiva aliada contra el Imperio Otomano terminó convirtiéndose en una de las operaciones más sangrientas y costosas del conflicto, dejando cientos de miles de muertos y heridos tras meses de combates estancados en un terreno extremadamente hostil.

El juego sitúa al jugador en ese escenario sin necesidad de recurrir constantemente a grandes enfrentamientos. La mayor parte del tiempo transcurre dentro de las trincheras, donde la vida cotidiana resulta casi tan dura como los propios combates. El barro permanente, la escasez de recursos, la monotonía de los días y la tensión psicológica derivada de convivir continuamente con la muerte forman parte del escenario habitual.

Esta aproximación consigue transmitir una visión mucho más humana del conflicto, alejándose de cualquier intento de espectacularizar la guerra.

Desde el punto de vista jugable, The Caribou Trail se aproxima claramente al concepto de aventura narrativa o walking simulator. El jugador recorre las trincheras, conversa con otros soldados, realiza pequeños encargos y participa ocasionalmente en misiones muy sencillas relacionadas con la historia.

Entre las actividades habituales aparecen tareas como repartir correspondencia, mantener distintas zonas del campamento, cocinar junto al resto de soldados o ayudar en pequeñas labores de organización del regimiento.

Estas acciones poseen una mecánica extremadamente simple, pero cumplen una función narrativa muy concreta: transmitir cómo transcurría la vida diaria de quienes permanecían durante semanas o meses esperando una ofensiva que quizá nunca llegaría.

En determinados momentos también aparecen secuencias algo más intensas. Durante un alto el fuego, por ejemplo, Fisher debe salir a tierra de nadie para recuperar las placas de identificación de soldados caídos, permitiendo que sus familias puedan conocer finalmente su destino.

Lejos de buscar espectacularidad, estas situaciones sirven para recordar continuamente las consecuencias humanas del conflicto.

Uno de los mayores aciertos del juego reside en dedicar gran parte de su duración a situaciones aparentemente insignificantes. Compartir un guiso improvisado, escuchar historias alrededor de una hoguera, intercambiar cartas procedentes de casa o simplemente mantener una conversación durante una guardia nocturna terminan convirtiéndose en escenas mucho más memorables que cualquier enfrentamiento armado.

La guerra aparece constantemente presente, incluso cuando no hay disparos. El jugador comprende que la supervivencia depende tanto de conservar la moral como de evitar las balas enemigas.

Esta construcción pausada de los personajes consigue que las relaciones entre ellos evolucionen con enorme naturalidad. Cuando alguno de esos vínculos se rompe, el impacto emocional resulta mucho mayor precisamente porque el juego ha dedicado tiempo suficiente a construirlos.

Otro elemento diferenciador de The Caribou Trail es la incorporación de componentes de horror psicológico inspirados en el folclore de Terranova.

Durante las noches, las historias contadas por los soldados comienzan a difuminar la frontera entre la realidad y la superstición. Sombras extrañas, leyendas populares y fenómenos difíciles de explicar aparecen de forma progresiva mientras la presión psicológica aumenta.

El juego nunca presenta estos elementos como un cambio de género hacia el terror sobrenatural. Su función consiste en representar cómo el aislamiento, el miedo constante y el agotamiento mental afectan a la percepción de quienes llevan demasiado tiempo viviendo entre trincheras.

Esta mezcla entre realidad histórica y simbolismo psicológico aporta mucha personalidad al conjunto sin romper nunca el tono general de la narrativa.

La dirección artística apuesta por un estilo semirrealista inspirado en fotografías de archivo de la Primera Guerra Mundial. Las trincheras aparecen sucias, deterioradas y completamente alejadas de cualquier representación heroica del conflicto. El barro, la lluvia, las alambradas y los paisajes devastados construyen escenarios que transmiten perfectamente la sensación de desgaste permanente.

La iluminación también desempeña un papel importante. Los momentos alrededor del fuego ofrecen un breve refugio visual frente a la oscuridad constante que domina el resto del frente, reforzando la importancia emocional de esos pequeños instantes de calma compartida entre los protagonistas.

Todo el apartado artístico trabaja constantemente para reforzar la idea de memoria y recuerdo, más que la de reconstrucción histórica detallada.

El apartado sonoro constituye uno de los elementos más destacados del juego. La banda sonora utiliza composiciones discretas que acompañan cada situación sin imponerse nunca sobre la narrativa. Cuando aparecen momentos especialmente dramáticos, la música incrementa su presencia con enorme eficacia emocional.

Los efectos ambientales resultan igualmente sobresalientes. El viento recorriendo las trincheras, los disparos lejanos, el crujido del barro bajo los pies o el silencio absoluto entre ofensivas consiguen generar una atmósfera muy inmersiva durante toda la aventura.

Especialmente destacable resulta el trabajo realizado con las conversaciones entre soldados, auténtico motor narrativo de la experiencia.

Precisamente donde The Caribou Trail puede generar más división es en su planteamiento jugable. Las mecánicas son deliberadamente simples y casi siempre se limitan a caminar, interactuar con objetos, conversar y realizar pequeñas acciones contextuales.

No existen sistemas complejos, gestión de recursos ni combates tradicionales. Esta decisión responde claramente a la intención de mantener toda la atención centrada en la historia y en sus personajes.

Sin embargo, esa apuesta también provoca que algunos momentos resulten excesivamente pausados. Varias tareas cotidianas prolongan intencionadamente la sensación de monotonía que vivían los soldados, pero esa fidelidad histórica puede traducirse en un ritmo irregular desde el punto de vista estrictamente jugable.

El juego transmite perfectamente el tedio de la guerra de trincheras, aunque no todos los jugadores disfrutarán experimentando esa monotonía durante varias horas.

La aventura puede completarse aproximadamente entre tres y cinco horas. Se trata de una duración muy adecuada para una propuesta de estas características, ya que evita alargar innecesariamente una historia cuya fuerza reside precisamente en su capacidad para mantener la intensidad emocional.

Durante ese tiempo apenas existen distracciones respecto al objetivo principal: conocer a Fisher y sus compañeros mientras sobreviven a uno de los episodios más duros de la Primera Guerra Mundial.

The Caribou Trail no pretende competir con los grandes shooters ambientados en la Primera Guerra Mundial ni ofrecer una simulación militar detallada. Su objetivo es mucho más íntimo: mostrar cómo vivieron el conflicto quienes llegaron al frente siendo simples pescadores, leñadores o jóvenes sin experiencia militar, obligados a enfrentarse a una realidad completamente distinta de la que imaginaban.

Su excelente trabajo narrativo, la cuidada construcción de los personajes, una ambientación sobresaliente y el enorme respeto con el que trata el contexto histórico convierten la aventura en una experiencia profundamente humana que consigue emocionar sin recurrir al espectáculo.

La sencillez de sus mecánicas y su ritmo deliberadamente pausado pueden hacer que algunos jugadores echen en falta una mayor participación jugable, pero esa misma decisión responde a una voluntad muy clara de situar toda la atención sobre las personas y no sobre la guerra.

Más que un videojuego bélico, The Caribou Trail es un relato interactivo sobre la amistad, la memoria y la capacidad del ser humano para conservar su identidad incluso en los momentos más oscuros. Una propuesta diferente, honesta y cargada de sensibilidad que demuestra que los videojuegos también pueden convertirse en una poderosa herramienta para recordar la historia desde una perspectiva profundamente personal.

Los juegos de puzles en primera persona siguen ocupando un lugar muy particular dentro de la industria. No buscan la acción constante ni los sistemas de progresión complejos, sino que apuestan por la observación, la lógica y la satisfacción que produce resolver un problema mediante el ingenio. Es un género que durante años estuvo representado casi exclusivamente por clásicos como Myst, pero que en la actualidad ha encontrado un nuevo espacio gracias a estudios independientes capaces de desarrollar experiencias mucho más ambiciosas. Dentro de esa corriente se encuentra Dimhaven: The Lost Source, el nuevo trabajo de Zadbox Entertainment, responsables de Quern, una aventura que recoge la esencia de aquellos grandes referentes mientras introduce ideas propias para construir una experiencia moderna, inmersiva y especialmente exigente.

Desde sus primeros minutos queda claro que Dimhaven no pretende ser una aventura accesible para cualquier jugador. Los propios desarrolladores dejan claro que su objetivo es ofrecer rompecabezas complejos, exploración constante y una narrativa que se descubre poco a poco a través del escenario y de la interacción con el entorno. No existen combates, persecuciones espectaculares ni secuencias de acción. Todo gira alrededor de la observación, la experimentación y la resolución de puzles perfectamente integrados dentro del mundo del juego.

La historia sitúa al jugador en la piel de Emily Ravenstone, una trabajadora de museo que viaja hasta la remota isla de Dimhaven para investigar la desaparición de su tío. Lo que encuentra al llegar está muy lejos del destino turístico que alguna vez fue aquel lugar. La isla aparece completamente abandonada, envuelta por una espesa niebla y dominada por una extraña mezcla entre arquitectura tradicional y tecnología de inspiración retrofuturista.

Desde el principio, el juego plantea numerosas preguntas sobre lo sucedido en Dimhaven. Sin recurrir a largas escenas cinematográficas, la narrativa se construye mediante documentos, escenarios, mecanismos y pequeños detalles repartidos por cada localización. La exploración adquiere así un papel fundamental, ya que cada nuevo descubrimiento aporta información sobre los acontecimientos que llevaron al aislamiento de la isla.

Esta forma de contar la historia consigue mantener la curiosidad del jugador durante toda la aventura. Las respuestas nunca llegan de forma inmediata, sino que se obtienen progresivamente conforme se resuelven nuevos desafíos y se accede a zonas anteriormente inaccesibles.

La estructura del juego recuerda claramente a los grandes referentes del género. Cada escenario funciona como un enorme rompecabezas donde prácticamente todos los elementos tienen algún propósito. Abrir una puerta, activar un ascensor o restaurar un mecanismo nunca consiste simplemente en encontrar una llave. Casi cualquier avance exige comprender cómo funciona el entorno, interpretar pistas y relacionar información obtenida en distintos lugares.

Lejos de presentar una sucesión de puzles independientes, Dimhaven construye una aventura donde todos los desafíos forman parte del propio escenario. Resolver un mecanismo suele desbloquear nuevas zonas que, a su vez, contienen información necesaria para afrontar los siguientes rompecabezas.

Esa sensación de continuidad hace que el progreso resulte especialmente satisfactorio. Cada solución tiene consecuencias visibles sobre el mundo y permite avanzar de forma completamente natural.

El mayor atractivo del juego reside precisamente en la calidad de sus puzles. A lo largo de la aventura aparecen mecanismos mecánicos, combinaciones numéricas, paneles de conexiones, acertijos visuales, secuencias de símbolos, sistemas eléctricos y numerosos dispositivos cuya lógica debe descubrir el propio jugador.

Lo más interesante es que ninguno de ellos parece colocado únicamente para ralentizar el progreso. Todos forman parte de la tecnología y de la arquitectura de Dimhaven, consiguiendo que cada rompecabezas tenga sentido dentro del contexto del mundo.

Esta coherencia evita una sensación muy habitual en otros títulos del género, donde parece que cualquier puerta requiere resolver un complejo acertijo simplemente porque sí.

Aquí sucede exactamente lo contrario. Los mecanismos responden a una lógica interna que convierte la exploración en una investigación continua.

Además, la dificultad evoluciona de forma constante. Los primeros desafíos sirven para familiarizarse con las mecánicas principales, mientras que los últimos exigen combinar conocimientos obtenidos horas antes, relacionar distintas pistas y prestar atención a numerosos detalles repartidos por el escenario. Es un juego que recompensa la observación mucho más que el ensayo y error.

Uno de los elementos más originales de Dimhaven es el uso de la cámara fotográfica. Lejos de funcionar como un simple objeto decorativo, se convierte en una de las herramientas más importantes durante toda la aventura.

El jugador puede fotografiar cualquier elemento del escenario para consultarlo posteriormente en cualquier momento. Estas imágenes pasan a formar parte de un álbum interactivo donde también es posible realizar anotaciones, dibujar esquemas, marcar símbolos o destacar información relevante mediante distintos colores.

La utilidad de este sistema resulta enorme. Muchos rompecabezas requieren recordar patrones observados varias zonas atrás, comparar símbolos o consultar mecanismos previamente descubiertos. En lugar de obligar al jugador a utilizar papel o capturas externas, el propio juego integra todas esas funciones de manera completamente natural.

Este diseño favorece enormemente la inmersión y convierte la investigación en una parte mucho más orgánica de la experiencia.

Uno de los aspectos más delicados en cualquier aventura de puzles es encontrar el equilibrio entre el desafío y la frustración. Dimhaven lo consigue mediante un sistema de ayudas especialmente inteligente.

En cualquier momento puede solicitarse una pista, pero el juego no ofrece automáticamente la solución completa. Habitualmente proporciona primero pequeñas orientaciones que ayudan a enfocar el problema desde otro punto de vista.

Solo cuando el jugador continúa atascado aparecen indicaciones cada vez más específicas hasta revelar finalmente la solución completa.

Este planteamiento permite adaptar la experiencia al nivel de cada persona sin romper el ritmo de la aventura ni eliminar la satisfacción que produce resolver un rompecabezas por uno mismo.

Es una solución mucho más elegante que limitarse a mostrar directamente la respuesta.

Gran parte del encanto de Dimhaven reside en su dirección artística. La isla transmite constantemente una sensación de aislamiento y misterio. Sus edificios abandonados, la vegetación recuperando espacios antiguos y la presencia permanente de tecnología extraña construyen un escenario que invita continuamente a explorar.

Visualmente apuesta por una combinación muy particular entre entornos de inspiración realista e intencionados elementos de baja resolución que recuerdan a tecnologías antiguas. Lejos de resultar extraño, ese contraste aporta mucha personalidad al conjunto.

La iluminación también juega un papel fundamental. Cada localización posee una identidad propia gracias al uso del color, la niebla y las distintas condiciones ambientales, reforzando continuamente el carácter melancólico del escenario.

Todo ello consigue que simplemente recorrer la isla resulte tan atractivo como resolver sus rompecabezas.

El sonido acompaña perfectamente al diseño visual. La banda sonora apuesta por composiciones suaves que nunca interfieren con la concentración necesaria para resolver los puzles, pero que sí contribuyen constantemente a reforzar la atmósfera de misterio.

Los efectos ambientales completan ese trabajo mediante viento, maquinaria, agua y pequeños sonidos que convierten cada escenario en un espacio creíble.

La combinación entre música y ambientación consigue mantener una sensación continua de calma mezclada con incertidumbre, exactamente el tono que necesita una aventura de estas características.

Calcular la duración de Dimhaven resulta especialmente complicado. Al tratarse de una aventura basada completamente en la resolución de rompecabezas, el tiempo necesario depende directamente de la capacidad de observación de cada jugador y del uso que haga del sistema de pistas.

Quienes resuelvan la mayoría de desafíos sin ayudas podrán superar ampliamente las diez horas de juego, mientras que quienes recurran frecuentemente a las pistas probablemente terminarán la aventura bastante antes.

En cualquier caso, la duración se adapta muy bien al ritmo de la experiencia y evita alargar innecesariamente algunos desafíos.

Pese a la enorme calidad general del conjunto, existen algunos detalles que todavía podrían pulirse. El principal afecta al uso del mando. Aunque el juego ofrece compatibilidad completa con controladores, determinadas acciones relacionadas con el álbum fotográfico y la gestión de imágenes resultan bastante menos cómodas que utilizando teclado y ratón.

En algunos momentos también aparecen pequeñas imprecisiones durante ciertas interacciones, especialmente cuando se utilizan objetos muy concretos del escenario.

No son problemas graves ni impiden disfrutar de la aventura, pero sí rompen ligeramente la fluidez en comparación con el excelente diseño general del resto de sistemas.

Por otro lado, la elevada dificultad de muchos rompecabezas puede convertirse en una barrera para quienes busquen una aventura narrativa más relajada. Dimhaven no pretende simplificar sus desafíos y exige prestar atención constante a prácticamente todo lo que aparece en pantalla. Precisamente esa exigencia forma parte de su identidad.

Para quienes disfrutaron de Quern, resulta evidente que Zadbox Entertainment ha sabido aprovechar toda la experiencia acumulada durante los últimos años.

Dimhaven conserva la filosofía de aquel título, pero introduce mejoras importantes en el diseño de los escenarios, la integración de los rompecabezas dentro del entorno y herramientas tan acertadas como la cámara fotográfica o el sistema progresivo de pistas.

Todo ello contribuye a crear una aventura mucho más refinada y coherente, donde la exploración y la resolución de acertijos avanzan siempre de la mano.

Dimhaven: The Lost Source demuestra que todavía existe espacio para las aventuras clásicas de puzles en primera persona cuando están construidas con inteligencia y confianza en el jugador. Zadbox Entertainment entrega una experiencia que apuesta decididamente por la exploración, la observación y el razonamiento lógico, sin recurrir a artificios ni concesiones para ampliar artificialmente su público.

Su excelente diseño de rompecabezas, la integración natural de cada mecanismo dentro del escenario, una ambientación absorbente y herramientas tan útiles como la cámara fotográfica convierten cada nuevo descubrimiento en una recompensa por la atención y el ingenio del jugador.

Aunque el control con mando todavía puede mejorar y algunos desafíos alcanzan un nivel de dificultad considerable, estos aspectos apenas empañan un conjunto sobresaliente que mantiene el interés desde el primer misterio hasta la resolución final de la historia.

Para cualquier aficionado a las aventuras inspiradas en Myst, Quern o los grandes exponentes del género, Dimhaven: The Lost Source representa una de las propuestas más completas y mejor diseñadas de los últimos años, ofreciendo una experiencia desafiante, inmersiva y tremendamente satisfactoria para quienes disfrutan resolviendo misterios mediante la lógica y la exploración.

Un operativo despierta, otra vez, en el mismo punto exacto donde ya ha muerto docenas de veces, con la certeza de que ese bucle temporal solo se romperá si consigue extraer suficiente materia activa antes de que la zona colapse sobre sí misma. Matter Team, con Gaijin Network Ltd como editor, plantea con Active Matter un shooter de extracción que toma la fórmula ya asentada por títulos como Escape from Tarkov y la inyecta con un componente de ciencia ficción cuántica capaz de justificar, sin pudor alguno, tanto la reaparición constante del jugador como la presencia de armamento y anomalías procedentes de líneas temporales completamente distintas dentro de un mismo mapa de combate.

La premisa parte de un multiverso fracturado donde la materia activa, el recurso más valioso y más peligroso de toda la realidad conocida, distorsiona el espacio y el tiempo allí donde se manifiesta, generando zonas cuánticamente inestables repletas de anomalías físicas y de operativos venidos de otras líneas temporales dispuestos a disputarse ese mismo botín. Esa premisa multiversal resuelve con elegancia narrativa uno de los problemas de coherencia que suelen arrastrar los shooters de extracción convencionales, donde la reaparición constante del jugador tras cada muerte rara vez se justifica más allá de la propia convención del género: aquí, en cambio, el bucle temporal explica tanto por qué el operativo vuelve siempre al mismo punto de partida como por qué el arsenal disponible combina tecnología militar reconocible con objetos de origen imposible de rastrear, arrancados directamente de realidades paralelas que la propia base de operaciones puede replicar una vez analizados con suficiente detalle.

La estructura de raids de extracción, tanto en modalidad PvE como PvPvE, mantiene la tensión ya característica del subgénero: desplegarse en solitario o en pequeños escuadrones dentro de una zona cuánticamente inestable, recolectar materia activa y todo el botín posible, y extraer antes de que la propia zona deje de existir junto con cualquier cosa que haya quedado dentro. Esa amenaza de colapso total del escenario, más allá de la simple cuenta atrás temporal que ya manejan otros representantes del género, aporta una capa adicional de urgencia narrativa a la extracción, convirtiendo cada raid en una carrera contra un final que no se limita a cerrar el acceso a la zona, sino que literalmente la borra de la existencia junto con todo su contenido. La decisión de perder absolutamente todo el equipo no asegurado o personal en caso de morir durante la incursión mantiene esa tensión de riesgo real tan característica del extraction shooter, donde cada objeto transportado representa una inversión que puede esfumarse en cuestión de segundos ante una emboscada mal gestionada.

El sistema económico, articulado en torno a los Créditos como moneda principal obtenida completando contratos o procesando la propia materia activa y el botín recuperado durante las incursiones, se complementa con el Prime, una divisa especial ganada mediante contratos diarios que, a diferencia de los Créditos, no se pierde tras cada Harmonización —el proceso que, presumiblemente, resetea determinados aspectos de la progresión del jugador entre temporadas—. Esa distinción entre un recurso volátil y otro persistente introduce una capa de planificación económica a largo plazo que exige decidir con cuidado en qué invertir cada tipo de moneda, reservando el Prime para adquisiciones de mayor calado como niveles de acceso al Monolito o contenedores seguros adicionales, mientras los Créditos sostienen el día a día de comprar armamento, munición y equipo básico entre expedición y expedición.

El armamento disponible, pese a su origen fantástico surgido de líneas temporales alternativas, se ancla deliberadamente en tecnología militar y tácticas del mundo real, una decisión que el propio estudio subraya explícitamente al señalar que la guerra parece ser la única constante reconocible en todo este multiverso caótico. Esa combinación entre lo verosímil del propio armamento y lo fantástico de su procedencia aporta a Active Matter una identidad visual y conceptual que lo distingue de otros shooters de extracción más estrictamente realistas, sin renunciar por ello a la exigencia balística y táctica que el público de este subgénero suele demandar con especial rigor. La posibilidad de replicar en la seguridad de la propia base cualquier objeto traído desde otra realidad, una vez analizado con las herramientas adecuadas, convierte cada hallazgo poco común en una potencial vía de expansión del propio arsenal disponible para futuras incursiones, entrelazando la exploración de cada raid con la progresión a largo plazo del propio operativo.

Las anomalías generadas por la propia materia activa introducen el componente más disruptivo del diseño jugable, alterando la gravedad y la propia topología del espacio ante los ojos del jugador, y sumando encuentros con objetos de inspiración claramente deudora del imaginario de la SCP Foundation, esa comunidad de ficción colaborativa especializada en objetos anómalos contenidos bajo estricto protocolo científico. Esa influencia, reconocible de inmediato para cualquier aficionado a ese tipo de narrativa de horror y misterio institucional, aporta a las zonas cuánticamente inestables una capa de amenaza que trasciende el simple enfrentamiento contra otros operativos, sumando criaturas transformadas por la propia exposición a la materia activa que atacan sin miramientos a cualquiera que se cruce en su camino. Esa fusión entre el shooter táctico de extracción y el horror de objeto anómalo es poco habitual dentro del género, que suele limitarse a plantear amenazas puramente humanas o, como mucho, zombis genéricos, y aquí en cambio la propia realidad del escenario se convierte en un peligro tan real como cualquier rival armado hasta los dientes.

El combate entre jugadores, presentado como la amenaza más peligrosa de todas según reconoce la propia descripción del juego, se articula tanto en el contexto de las incursiones PvPvE, donde la presencia de otros operativos añade una capa de imprevisibilidad a la ya de por sí hostil zona explorada, como en batallas de mayor escala entre sindicatos completos, enfrentados directamente por el control de fuentes pasivas de materia activa. Esa estructura de conflicto a dos niveles, individual dentro de cada raid y colectivo entre facciones organizadas, aporta una dimensión estratégica que va más allá de la simple supervivencia personal: unirse a un sindicato y participar en esas batallas de mayor escala permite influir de manera tangible en el equilibrio de fuerzas del propio multiverso, convirtiendo cada enfrentamiento en algo con consecuencias que trascienden la partida individual del propio jugador. La posibilidad de craftear equipo directamente sobre el terreno, combinada con el armamento traído desde la propia base, amplía las opciones tácticas disponibles para quienes decidan volcarse en este tipo de combate a gran escala.

La expansión de la base del sindicato, con la consiguiente mejora del propio arsenal disponible, funciona como el eje de progresión a largo plazo que da sentido a la acumulación constante de recursos durante las incursiones individuales: cada objeto recuperado, cada muestra de materia activa procesada, alimenta directamente esa estructura de crecimiento colectivo que termina determinando qué tipo de equipamiento y qué nivel de influencia puede desplegar el propio sindicato en los enfrentamientos de mayor escala. Esa conexión entre el riesgo asumido en cada raid individual y el beneficio colectivo obtenido para la facción refuerza el propio sentido de pertenencia comunitaria que suele sostener a los shooters de extracción más exitosos a largo plazo, donde la relación entre jugadores termina siendo tan determinante para la experiencia general como el propio diseño de combate.

Los mapas disponibles, situados explícitamente fuera de los límites convencionales del espacio y el tiempo, incluyen desde una vasta isla salpicada de complejos industriales soviéticos oxidados hasta laboratorios científicos crípticos que fueron de los primeros en estudiar el fenómeno de la materia activa. Esa ambientación de decadencia industrial postsoviética, combinada con instalaciones de investigación abandonadas cargadas de pistas sobre el origen del propio fenómeno que da nombre al juego, construye una identidad visual reconocible dentro del panorama del shooter táctico contemporáneo, y la promesa de que la exploración de estos escenarios puede arrojar luz sobre el trasfondo real de la materia activa aporta un aliciente narrativo adicional a la propia recolección de recursos, incentivando examinar cada rincón del mapa en busca de fragmentos de una historia mayor que se va revelando de forma fragmentaria conforme se acumulan expediciones.

El apartado visual, con su combinación de instalaciones industriales oxidadas y anomalías capaces de distorsionar visualmente la propia percepción del espacio, aporta un contraste constante entre lo reconociblemente terrenal y lo genuinamente imposible, reforzando esa sensación de estar recorriendo escenarios que ya no responden a las leyes físicas convencionales. El diseño sonoro, coherente con esa ambientación de ciencia ficción militarizada, presumiblemente acompaña tanto la tensión constante de cada raid con un silencio incómodo salpicado de disparos lejanos y el eco distorsionado de las propias anomalías, como la intensidad directa de los enfrentamientos entre sindicatos rivales, sosteniendo el pulso táctico que cualquier buen shooter de extracción necesita para mantener al jugador en tensión permanente.

El compromiso de soporte post-lanzamiento, con nuevas localizaciones, armas, monstruos, modos de juego y eventos planificados a lo largo de varias actualizaciones importantes cada año, sitúa a Active Matter dentro de esa categoría de shooter de extracción pensado para sostenerse como servicio en vivo a largo plazo, una estructura que exige del propio estudio una capacidad de generación de contenido constante si quiere retener a una comunidad tan exigente como la que suele rodear a este tipo de propuestas. La promesa de una hoja de ruta detallada publicada poco después del lanzamiento aporta cierta transparencia sobre esas intenciones futuras, aunque su cumplimiento real dependerá, como en cualquier servicio en vivo, de la capacidad sostenida del estudio para entregar contenido a un ritmo capaz de justificar el compromiso continuado de su base de jugadores.

Romper el propio bucle temporal exige, en el fondo, la misma disciplina que cualquier shooter de extracción bien diseñado: entrar, recolectar lo suficiente, y salir con vida antes de que la realidad misma decida borrar la zona explorada, sabiendo que la próxima muerte, inevitablemente, devolverá al operativo al mismo punto de partida con las lecciones aprendidas como único botín garantizado.

La inteligencia artificial que vive dentro del traje espacial del protagonista lleva ya dos juegos enteros sin entender del todo qué está pasando, y esa confusión perpetua es, paradójicamente, lo más coherente que ofrece Breathedge 2 desde el primer minuto. RedRuins Softworks, con HypeTrain Digital de nuevo al frente de la edición, retoma la aventura del Hombre justo en el peor momento posible de toda su ya bastante desastrosa carrera espacial, y lo hace sin la menor intención de facilitarle las cosas a nadie, ni a quien jugó la primera entrega ni a quien se asoma por primera vez a este particular rincón del espacio profundo.

La Corporación Breathedge, sin previo aviso ni explicación que se sostenga demasiado tiempo en pie, ha desatado una guerra a escala galáctica, ha levantado un ejército entero de Coffinbots —esos robots con forma de ataúd que definieron visualmente a la primera entrega y que aquí regresan multiplicados— y ha lanzado un ataque directo contra los mayores asentamientos humanos conocidos. El Hombre y su compañera artificial, tras torpedear sin querer los planes de conquista corporativa, se convierten de la noche a la mañana en el objetivo prioritario de toda esa maquinaria hostil, y justo cuando parecía que las cosas no podían complicarse más, sus propios aliados deciden volverse contra ellos. La propia descripción del juego admite, sin el menor pudor, que tanto los veteranos de la saga como los recién llegados se sentirán exactamente igual de perdidos ante semejante enredo argumental, y esa confesión tan directa funciona casi como una declaración de principios: aquí la confusión constante no es un fallo de guion que haya que disculpar, sino el propio motor cómico de la aventura.

La exploración vertebra buena parte de la experiencia, y el propio estudio insiste en presentar a Breathedge 2 como una aventura eminentemente narrativa, donde recorrer el escenario importa tanto como resolver cualquier puzle mecánico de supervivencia. Adentrarse en estaciones abandonadas, asentamientos en ruinas y restos de naufragios espaciales no responde únicamente a la necesidad de acumular chatarra útil para el propio inventario, sino que funciona como vía de acceso a la historia personal del Hombre y su tripulación, al tejido social de esos confines habitados de la galaxia, y a un elenco de personajes nuevos que van complicando, capa tras capa, el mapa de facciones que se disputan el control del espacio conocido. Cada rincón visitado puede esconder relatos ajenos, dispositivos de función incierta, chatarra que resulta sorprendentemente útil o tesoros absolutamente inservibles que se convierten en objeto de deseo precisamente por su nula utilidad práctica, y esa alternancia entre el hallazgo cómico y el descubrimiento genuinamente inquietante mantiene un pulso narrativo que rara vez se permite mucho tiempo de solemnidad seguida.

El sistema de supervivencia recupera la fórmula ya asentada de vigilar oxígeno, temperatura y demás constantes vitales mientras se avanza por el vacío exterior, pero lo hace, como ya es marca de la casa, sin renunciar jamás al humor: aquí no hay tiendas abiertas veinticuatro horas ni batidos de plátano a mano, apunta la propia descripción con su sorna habitual, pero sí hay un océano prácticamente infinito de cinta americana, toneladas de chatarra aprovechable y unas manos, las del propio Hombre, notablemente hábiles a la hora de convertir cualquier amasijo de piezas sueltas en artilugios sorprendentemente funcionales. Ese proceso de crafteo, sostenido sobre el aprendizaje progresivo de nuevos planos y la mejora tanto del equipo personal como del propio traje espacial, sigue la lógica de progresión habitual del género de supervivencia, aunque aquí cada desmontaje de maquinaria averiada viene acompañado de comentarios sarcásticos por parte de la inteligencia artificial acompañante, convirtiendo incluso la tarea más mundana en una fuente constante de gags.

La necesidad de abrirse camino hacia zonas inicialmente inaccesibles, reparar mecanismos estropeados y aventurarse cada vez más lejos de cualquier atisbo de seguridad introduce ese componente de riesgo calculado tan propio del género de supervivencia espacial, reforzado con encuentros ocasionales de combate directo, huidas precipitadas y la macabra necesidad de apartar a un lado los cuerpos de astronautas con peor suerte que la del propio protagonista. Esa combinación entre la crudeza literal de sobrevivir en el vacío y el tratamiento desenfadado con el que la narrativa aborda cada peligro sigue siendo la seña de identidad más reconocible de la saga, una rareza dentro de un género que suele apostar por la tensión constante y la atmósfera opresiva como principales herramientas de diseño, optando aquí en cambio por la comedia como vía alternativa para sostener el interés sin renunciar por ello a la exigencia mecánica que la propia supervivencia demanda.

El estado de acceso anticipado en el que se encuentra el proyecto condiciona, como es habitual, la valoración de su alcance actual: el primer capítulo argumental de peso ya está disponible junto a una zona explorable considerable y los sistemas jugables fundamentales, mientras que buena parte del mapa permanece todavía cerrado y la historia completa aguarda desarrollo a lo largo de las sucesivas actualizaciones planeadas. Esa transparencia sobre el estado real del contenido, sumada al compromiso explícito del estudio de seguir ampliando áreas, mecánicas, personajes y objetos mientras refina el equilibrio, la interfaz y el rendimiento general, sitúa a Breathedge 2 dentro de esa categoría de acceso anticipado que permite calibrar con bastante precisión qué tipo de experiencia se está adquiriendo en este momento concreto del desarrollo, sin ocultar en ningún momento que queda todavía un tramo considerable de camino por recorrer.

El apartado sonoro y el propio guion mantienen ese equilibrio tan delicado entre lo absurdo y lo genuinamente ingenioso que ya caracterizó a la primera entrega, con la voz de la inteligencia artificial residente en el traje espacial funcionando como contrapunto sarcástico constante a las decisiones, muchas veces cuestionables, del propio protagonista humano. Esa dinámica de pareja cómica, sostenida sobre el contraste entre la torpeza bienintencionada del Hombre y los comentarios afilados de su compañera artificial, sigue siendo uno de los pilares más sólidos del humor de la saga, y su regreso en esta secuela confirma que RedRuins Softworks ha sabido preservar exactamente lo que hizo memorable al original sin necesidad de reinventarlo desde cero.

El apartado visual apuesta por una estética que combina la chatarra espacial más desvencijada con toques de diseño industrial ochentero, construyendo escenarios que transmiten tanto el abandono propio de estaciones olvidadas en los confines del espacio habitado como cierta calidez artesanal en la manera en que cada objeto reciclado encuentra su lugar dentro del propio ecosistema de crafteo del juego. Los Coffinbots, con su iconografía tan directamente asociada a la muerte trasladada al terreno de la comedia negra, mantienen esa identidad visual perturbadoramente cómica que ya distinguió a la primera entrega dentro de un género generalmente mucho más solemne en su tratamiento de las amenazas robóticas, y su presencia multiplicada aquí, en plena guerra corporativa a gran escala, aporta una sensación de amenaza constante que contrasta deliberadamente con lo ridículo de su propio diseño.

La pregunta de quién ataca a quién, quién es Babe, por qué el Hombre necesita una gallina y qué demonios se supone que hay que hacer con toda esa cinta americana, planteada literalmente así por la propia ficha del juego, resume mejor que cualquier sinopsis convencional el tono de humor absurdo que atraviesa cada decisión de diseño de esta secuela. Ese catálogo de preguntas sin respuesta inmediata, lanzadas casi como una broma interna entre el estudio y su comunidad de jugadores, deja claro que la coherencia argumental nunca ha sido la prioridad de la saga, y que el verdadero atractivo reside en acompañar a estos personajes por un descenso constante hacia situaciones cada vez más disparatadas, sin la presión de tener que entenderlo todo a la primera.

El sistema de combate, presentado como un componente ocasional más que central, mantiene esa misma filosofía de contraste entre la gravedad de la amenaza y el tono desenfadado con el que se aborda: enfrentarse a un Coffinbot armado hasta los dientes nunca deja de sentirse peligroso, pero el propio comentario sarcástico de la inteligencia artificial acompañante, soltado en el peor momento posible, se encarga de recordar constantemente que ni siquiera en mitad de una guerra galáctica hay que tomarse las cosas con demasiada solemnidad.

Reunir chatarra, esquivar robots con forma de ataúd y descubrir, poco a poco, quién ha traicionado a quién en este rincón concreto del espacio profundo, con la cinta americana como único hilo conductor fiable entre tanto caos, es sencillamente la manera que tiene Breathedge de recordar que el fin del mundo, o de la galaxia entera, siempre resulta un poco más llevadero si hay alguien cerca dispuesto a reírse de él contigo.

El planteamiento de Letter Lost se apoya en una premisa muy concreta: trabajar en una oficina de correos que, bajo una superficie de rutina laboral perfectamente funcional, oculta un sistema de control absoluto sobre el entorno y sobre el propio trabajador. No se trata de una interpretación ni de una lectura abierta a matices simbólicos; el juego estructura su experiencia en torno a reglas explícitas, instrucciones directas y una dinámica de trabajo cerrada donde cada acción tiene consecuencias mecánicas y narrativas claramente definidas.

El jugador asume el rol de un nuevo empleado destinado a la oficina postal principal de Wistvale, en la isla de Kharnym. Desde el primer momento, el sistema de trabajo queda completamente establecido: recibir correo, clasificarlo, aplicar sellos según un código territorial definido por regiones de la isla y despachar cada envío a través del canal correspondiente. No hay ambigüedad en este proceso. Cada carta o paquete contiene información suficiente para determinar su destino correcto, y el juego valida de forma inmediata cualquier error en la clasificación mediante retroalimentación negativa dentro del sistema de trabajo.

El entorno laboral no es opcional ni temporal. El personaje ha sido asignado de forma permanente a la oficina, con alojamiento incluido dentro del propio edificio. El juego establece desde el inicio que el empleado no dispone de libertad de movimiento fuera de las instalaciones. Esta restricción no se presenta como una elección del jugador, sino como una condición estructural del sistema de empleo en Kharnym Isle. La vida del personaje se organiza en torno a un ciclo cerrado: dormir en el edificio, trabajar en la oficina y repetir el proceso bajo supervisión constante.

El núcleo jugable gira en torno a la gestión de correspondencia. Cada región del mapa está asociada a un color de sello específico y a un conjunto de identificadores geográficos que deben coincidir con la dirección del envío. El sistema exige precisión absoluta. Un sello incorrecto no solo invalida la entrega, sino que activa una respuesta administrativa que se traduce en notificaciones disciplinarias dentro del propio flujo del juego. Estas notificaciones no son narrativas ambientales ni decorativas; forman parte del sistema de control operativo que regula el rendimiento del empleado.

A medida que avanza la jornada laboral, el volumen de trabajo aumenta y se introducen nuevos tipos de interacción. Además de cartas estándar, comienzan a aparecer paquetes que requieren procesos adicionales de verificación: pesaje, inspección externa y validación de etiquetas múltiples. El jugador debe gestionar simultáneamente estas tareas sin interrumpir el flujo de trabajo, ya que el sistema penaliza los retrasos en la cadena de procesamiento. El diseño está orientado a mantener una presión constante, no mediante urgencia artificial, sino mediante acumulación de tareas que deben resolverse dentro de un marco temporal definido por el propio sistema de la oficina.

Los residentes de la isla actúan como emisores y receptores de correspondencia. Cada uno de ellos está asociado a patrones de comportamiento definidos dentro del sistema postal. Algunos envían solicitudes simples, otros incluyen instrucciones adicionales en sus cartas, y algunos introducen datos que afectan directamente a la clasificación del correo. La interacción con estos personajes se produce exclusivamente en el contexto del servicio postal. No existen conversaciones libres ni interacción social fuera de este marco. Toda comunicación está mediada por el sistema de trabajo.

El diseño narrativo se construye a través de documentos, instrucciones internas y mensajes de supervisión. El jugador recibe comunicaciones periódicas de la administración postal, representada por una figura de autoridad identificada como Liv. Estas comunicaciones establecen objetivos, corrigen errores y refuerzan las normas de funcionamiento del sistema. La estructura de estos mensajes es directa y normativa: indican qué debe hacerse, qué se ha hecho incorrectamente y qué consecuencias operativas se derivan de cada acción.

Uno de los elementos centrales del juego es la prohibición explícita de abandonar el edificio. Esta regla no está sujeta a interpretación. El acceso al exterior está bloqueado por diseño, y cualquier intento de desviarse del perímetro de trabajo está impedido por el propio sistema del juego. El entorno se presenta como autosuficiente: alojamiento, comida y recursos básicos están garantizados dentro de la oficina, eliminando cualquier necesidad funcional de salir. Esta estructura convierte el espacio laboral en un entorno cerrado completamente operativo.

El sistema de progresión se basa en la mejora del puesto de trabajo mediante la inversión de recompensas obtenidas por el cumplimiento de tareas. El jugador puede ampliar su estación de clasificación, mejorar herramientas de sellado, optimizar el espacio de almacenamiento y acelerar procesos de gestión. Estas mejoras no alteran la naturaleza del trabajo, sino su eficiencia. El bucle jugable permanece constante: recibir, clasificar, procesar y enviar.

A nivel estructural, el juego introduce progresivamente anomalías dentro del flujo postal. Estas anomalías no se presentan como eventos aleatorios sin explicación, sino como elementos integrados en el sistema de correspondencia. Algunas cartas contienen información contradictoria respecto a su destino, otras incluyen instrucciones que modifican el procedimiento estándar de clasificación. Estas variaciones obligan al jugador a aplicar criterios adicionales dentro de un sistema que, inicialmente, se presenta como completamente determinista.

El tratamiento del espacio refuerza la sensación de control operativo. La oficina está organizada en estaciones funcionales claramente delimitadas: recepción, clasificación, sellado y envío. Cada estación tiene una función específica y no permite acciones fuera de su propósito. El movimiento del jugador entre estaciones está condicionado por la lógica del flujo de trabajo, no por exploración libre.

El juego establece también un sistema de supervisión continua. Cada error registrado genera una respuesta inmediata del sistema administrativo, que se manifiesta en forma de notificaciones, advertencias o restricciones adicionales. Estas respuestas no son aleatorias; están directamente vinculadas a acciones concretas del jugador. El sistema no interpreta intención, solo resultado.

A medida que el volumen de trabajo aumenta, el jugador comienza a gestionar múltiples procesos en paralelo. La complejidad no se introduce mediante nuevos sistemas independientes, sino mediante la acumulación de tareas simultáneas dentro del mismo marco operativo. Esto obliga a priorizar acciones, optimizar tiempos de ejecución y mantener la coherencia del flujo postal bajo presión creciente.

El diseño de interfaz refleja esta estructura. Todos los elementos relevantes del juego están integrados en el entorno de trabajo físico. No existe una separación clara entre interfaz y mundo diegético. Sellos, etiquetas, herramientas de pesaje y bandejas de clasificación forman parte del espacio representado. La información se presenta como parte del entorno laboral, no como superposición abstracta.

El componente narrativo se desarrolla de forma progresiva a través del propio contenido postal. Algunas cartas contienen fragmentos de información que no encajan con los patrones habituales de la isla. Estos fragmentos introducen datos sobre el funcionamiento interno de Kharnym Isle, su estructura social y la organización del sistema postal. Sin embargo, estos elementos no se presentan como misterio abierto, sino como información fragmentada dentro de un sistema de comunicaciones oficiales.

El juego mantiene una coherencia constante entre mecánica y narrativa. El trabajo postal no es un contexto para la historia, sino el vehículo principal de su desarrollo. Cada mecánica implementada tiene una función directa dentro de la simulación del empleo, y cada elemento narrativo se expresa a través de ese mismo sistema.

El resultado es un modelo de juego donde la rutina laboral se convierte en estructura central de la experiencia. No hay separación entre progreso narrativo y progreso mecánico; ambos están integrados en el mismo ciclo de trabajo. El jugador no observa la oficina de correos como escenario, sino que opera dentro de su sistema como empleado activo sujeto a sus reglas.

Letter Lost establece así un entorno cerrado, operativo y completamente regulado, donde cada acción está definida por procedimientos explícitos, cada error tiene consecuencias directas y cada avance se traduce en eficiencia dentro del mismo sistema. El juego no depende de interpretaciones externas para funcionar: su estructura se sostiene exclusivamente en la ejecución coherente de tareas dentro de un marco administrativo cerrado que define por completo la experiencia.

Una seta con dientes afilados avanza tambaleándose hacia la cámara, y un segundo después ya está siendo asada, sazonada y devorada para recuperar unos puntos de vida que la propia lucha acaba de arrebatar: esa transición tan brutal como deliciosamente absurda resume perfectamente el espíritu de Shroom and Gloom. Team Lazerbeam, con Devolver Digital de nuevo apostando por una propuesta que se sale de lo convencional, construye un roguelike de doble mazo en primera persona que sustituye la habitual defensa pasiva por una filosofía de combate mucho más glotona: aquí no se bloquea al enemigo, se le cocina.

La premisa se plantea con una economía de palabras deliberada, dejando que el propio subtítulo —»hongos monstruosos y montañas de mega-combos»— haga buena parte del trabajo de presentación: el jugador se adentra en las profundidades de The Gloom, una mazmorra dibujada a mano poblada por toda clase de criaturas fúngicas hostiles, armado con un sistema de cartas que gestiona simultáneamente el combate y la propia navegación por el escenario. Esa ausencia de un argumento elaborado no resulta un déficit sino una decisión coherente con el tono general de la propuesta, que prioriza el propio sistema de juego y su sentido del humor visceral por encima de cualquier ambición narrativa tradicional, dejando que sea la propia mecánica quien cuente la historia de un descenso cada vez más desquiciado hacia el corazón de esa mazmorra fúngica.

El sistema de doble mazo constituye, sin duda, la aportación estructural más interesante de todo el diseño, separando con claridad dos vertientes que en la mayoría de deckbuilders roguelike suelen fundirse en un único conjunto de cartas. El mazo de combate se encarga exclusivamente de resolver los enfrentamientos directos contra las hordas de setas hostiles, mientras que el mazo de exploración cumple una función completamente distinta, permitiendo navegar por la propia mazmorra, modificar cartas ya obtenidas y desbloquear nuevas armas y habilidades a medida que avanza la partida. Esa separación de responsabilidades entre ambos mazos aporta una capa de planificación estratégica poco habitual dentro del género: no basta con optimizar un único conjunto de cartas para maximizar el daño en combate, sino que resulta igualmente crucial cuidar la composición del mazo de exploración para garantizar el acceso a las mejoras y modificaciones que después repercutirán directamente en la efectividad del propio arsenal de combate. Esa interdependencia entre ambos sistemas recuerda a la manera en que otros roguelites de construcción de mazo, como el propio Slay the Spire, gestionan la tensión entre progresión y supervivencia inmediata, aunque aquí la separación física en dos mazos distintos añade una capa adicional de gestión que pocos representantes del género se atreven a plantear con esta claridad estructural.

El sistema de crecimiento infinito de cartas es, probablemente, el elemento mecánico más ambicioso de todo el conjunto, permitiendo transformar cartas iniciales de nivel bajo en ataques desproporcionadamente poderosos, o modificar piezas ya de por sí poco comunes hasta convertirlas en auténticas superarmas capaces de desequilibrar por completo el ritmo de un combate. Esa promesa de evolución sin límite teórico aparente aporta un horizonte de progresión que trasciende la simple acumulación de cartas nuevas, invitando en cambio a invertir tiempo y recursos en pulir y potenciar aquellas piezas que mejor encajan con el estilo de juego preferido de cada partida, en lugar de descartar sistemáticamente las cartas menos vistosas en favor de nuevas incorporaciones. Esa filosofía de «hacer crecer» el propio mazo, en lugar de limitarse a expandirlo horizontalmente, aporta una identidad propia al sistema de progresión de Shroom and Gloom dentro de un género que suele apostar casi exclusivamente por la acumulación constante de contenido nuevo como principal motor de escalada de poder.

El planteamiento culinario del combate es, sin lugar a dudas, el rasgo de identidad más reconocible y más gamberro de toda la propuesta. Sazonar, ensartar o asar a los enemigos abatidos antes de devorarlos para restaurar la propia vitalidad convierte cada enfrentamiento en algo mucho más cercano a una sesión de cocina extrema que a un combate convencional, y esa fusión entre el género roguelike de cartas y la estética gastronómica funciona como un giro conceptual tan disparatado como efectivo a la hora de diferenciar a Shroom and Gloom de la ya abundante oferta de deckbuilders roguelike disponibles en el mercado actual. La posibilidad de arrojar a los enemigos ya asados dentro de una olla para preparar sopas capaces de alterar sustancialmente el desarrollo de la partida añade una capa adicional de experimentación culinaria que profundiza todavía más ese planteamiento tan singular: aquí la curación no es un simple recurso pasivo desconectado del propio combate, sino la consecuencia directa y satisfactoriamente macabra de haber derrotado con éxito a cada adversario.

El apartado visual apuesta por una combinación deliberadamente contrastada entre el arte dibujado a mano, con sus trazos irregulares y su expresividad caricaturesca, y espacios tridimensionales ricos en detalle que construyen la propia arquitectura de The Gloom. Esa fusión entre técnicas de animación tan dispares aporta una textura surrealista al conjunto que refuerza constantemente la sensación de estar recorriendo un mundo genuinamente extraño y ligeramente inquietante, donde la locura fúngica que da nombre al propio juego se manifiesta tanto en el diseño de las criaturas hostiles como en la propia disposición de cada mazmorra explorada. Ese contraste entre lo artesanal del trazo y la profundidad espacial del entorno tridimensional evita que la propuesta se sienta como un simple ejercicio de estilo bidimensional plano, aportando en cambio una sensación de inmersión considerablemente mayor de la que suelen ofrecer los deckbuilders roguelike más convencionales, generalmente anclados en interfaces mucho más esquemáticas y desconectadas del propio espacio jugable.

El bestiario fúngico, poblado por hongos monstruosos de comportamiento y diseño variado, exige presumiblemente esa misma lectura de patrones y adaptación táctica que cualquier buen roguelike de combate demanda de sus jugadores, aunque aquí filtrada a través de ese imaginario tan particular de setas hostiles que aporta una identidad visual y temática poco explotada dentro del género. Esa decisión de construir todo un ecosistema de amenazas en torno a la iconografía fúngica, en lugar de recurrir al habitual repertorio de esqueletos, demonios o criaturas de fantasía genérica, refuerza la sensación de estar ante una propuesta dispuesta a construir su propia mitología interna en lugar de apoyarse en referentes ya trillados del género de mazmorra.

La primera persona como perspectiva elegida para todo el sistema de combate aporta una inmediatez poco habitual dentro del deckbuilder roguelike, un género que tradicionalmente se ha desarrollado desde perspectivas más distantes o directamente abstractas, y esa decisión de situar la cámara en los propios ojos del protagonista refuerza la sensación de estar plantando cara físicamente a cada horda de setas hostiles, en lugar de gestionar el combate desde la distancia segura de un tablero puramente conceptual. Esa inmersión en primera persona, combinada con el propio sistema de doble mazo y la mecánica de devorar a los enemigos derrotados, construye una experiencia sensorial mucho más visceral de lo que el género suele ofrecer habitualmente.

El diseño sonoro, aunque no detallado explícitamente entre las características destacadas del propio juego, presumiblemente acompaña esa estética de locura fúngica con una identidad propia capaz de reforzar tanto la tensión de los combates más exigentes como el tono desenfadado y ligeramente macabro que atraviesa todo el planteamiento culinario del sistema de curación, sosteniendo esa atmósfera surrealista que la combinación de arte dibujado a mano y espacios tridimensionales ya construye desde el terreno puramente visual.

Lo que Shroom and Gloom demuestra, en definitiva, es que el deckbuilder roguelike, pese a su ya considerable saturación dentro del panorama indie actual, todavía conserva margen de sobra para reinventarse con la sola introducción de un planteamiento temático lo suficientemente disparatado y una estructura mecánica lo bastante original como la que propone su sistema de doble mazo. Devorar a un enemigo recién asado para recuperar la vida perdida en el fragor del combate, mientras se planifica cuál de las decenas de cartas disponibles conviene hacer crecer hasta convertirla en una abominación de poder desmesurado, resulta ser, contra todo pronóstico, una de las combinaciones más frescas que ha ofrecido el género en los últimos tiempos.

Gobby Gang, el caótico juego de atracos cooperativo de Matrioshka Games, ha presentado un importante rediseño visual acompañado de un nuevo tráiler que permite echar un vistazo a sus opciones de personalización, herramientas y situaciones de caos cooperativo. El título, publicado por Wandering Wizard, apuesta por partidas para hasta cuatro jugadores en las que la física y la destrucción del escenario juegan un papel fundamental.

El nuevo estilo artístico supone una renovación completa respecto a la primera presentación del juego en marzo de 2026. Los jugadores podrán controlar a goblins y otras criaturas fantásticas, incluyendo dragones, mapaches, peces y hongos, además de personalizar a sus personajes con diferentes opciones cosméticas.

En Gobby Gang, los jugadores se adentran en las profundidades de la tierra para participar en diferentes «turnos» subterráneos en los que deberán transportar enormes objetos a través de cuevas construidas con vóxeles y completamente destructibles. Bombas, tesoros y otros objetos de gran tamaño reaccionan a las físicas del juego, convirtiendo cada misión en un improvisado desafío en el que cualquier plan puede acabar en desastre.

A diferencia de los juegos de obstáculos tradicionales, aquí el propio objeto que hay que transportar se convierte en uno de los principales problemas. Los jugadores tendrán que excavar, destruir elementos del escenario y abrir sus propias rutas para conseguir llevar la carga hasta su destino. La cooperación será fundamental, aunque las físicas y la destrucción del entorno prometen que incluso los planes mejor preparados puedan terminar con explosiones, derrumbes y personajes aplastados bajo toneladas de roca.

El estudio también ha aprovechado esta renovación para ampliar el contenido del juego con nuevas criaturas, objetos, tesoros, desbloqueables y sistemas de progresión. Según Matrioshka Games, el equipo decidió reconstruir buena parte del proyecto desde su primera presentación para dotarlo de una mayor personalidad y variedad.

Gobby Gang está desarrollado por un equipo de menos de doce personas y busca ofrecer una experiencia cooperativa centrada en situaciones emergentes y momentos impredecibles. Cada partida pretende generar situaciones diferentes gracias a la combinación de físicas, destrucción y trabajo en equipo, con la posibilidad de que los errores de los jugadores terminen siendo tan importantes como sus aciertos.

El nuevo tráiler muestra precisamente parte de estas posibilidades, incluyendo el renovado aspecto visual, diferentes criaturas, herramientas y algunas de las situaciones que los jugadores podrán encontrar mientras recorren las cavernas.

Gobby Gang llegará con un precio orientado a ser accesible y actualmente se encuentra disponible para añadir a la lista de deseos en Steam