Son las 23:47 del 23 de mayo de 1993, y la Dama del Pasado acaba de terminar de lavar su ropa interior en un gesto tan doméstico como catastrófico: ese acto mundano ha borrado, sin que nadie lo esperara, la memoria colectiva de toda la humanidad. Studio Koba y Aeternum Game Studios, esta última también al frente de la edición, construyen sobre esa premisa absurda uno de los shoot ‘em ups más singulares del catálogo reciente, un juego que se atreve a mezclar la nostalgia de las pantallas LCD de las calculadoras y consolas portátiles ochenteras con una brutalidad de combate que nada tiene de infantil, y que encuentra en esa fricción constante entre lo entrañable y lo grotesco su seña de identidad más reconocible.
El protagonista, un robot ensamblado durante más de tres décadas a partir de los restos de un actor de telenovela noventero, recibe la misión de viajar exactamente ocho horas atrás en el tiempo, hasta el instante previo al borrado masivo de memoria provocado por la líder de una secta piramidal que se hace llamar «Presente». Cada nivel del juego representa una de esas ocho horas cruciales en la agenda de la Dama del Pasado, desde un paseo por el parque hasta una comida en un bufé libre, y esa estructura de sabotaje cronometrado hora a hora aporta un marco narrativo tan disparatado como efectivo para justificar la sucesión de biomas temáticos que componen el recorrido. La combinación de humor negro, sátira social sobre esquemas piramidales y situaciones abiertamente surrealistas construye un tono que la propia descripción define como «menos pretencioso y mucho más divertido», una declaración de intenciones que se cumple con creces desde el primer instante de juego.
El sistema de combate se articula alrededor de la sinergia entre dos personajes controlados de forma intercambiable: Future Knight, la fuerza bruta capaz de disparar su Techno Blaster de plasma cuántico, asestar mordiscos letales, esquivar mediante rodadas y desatar el caos con armamento pesado; y Two More, el tumor benigno pero inexplicablemente poderoso que vive dentro del protagonista y que aporta la vertiente de agilidad del dúo, capaz de ejecutar Super Dashes letales, trepar muros gracias a su viscosidad natural, disparar a corta distancia y colarse por espacios reducidos donde el cuerpo más pesado de Future Knight jamás podría entrar. Esa dualidad de arquetipos, uno orientado a la potencia y otro a la movilidad, recuerda al tipo de alternancia de roles que ya exploraron con acierto juegos como Ikaruga en su gestión de polaridades, aunque aquí trasladada a un terreno de acción más frenético y menos centrado en la pura gestión de patrones de disparo, con un componente de plataformas y verticalidad que amplía considerablemente el vocabulario mecánico disponible en cada encuentro.
El cambio instantáneo entre ambos personajes no funciona como una simple alternancia cosmética entre dos estilos de combate, sino como el auténtico corazón estratégico del sistema: usar a Two More recupera la salud de Future Knight, mientras que recurrir a Future Knight recarga la energía de Two More, generando un ciclo de dependencia mutua que obliga a alternar constantemente entre ambos personajes no solo por conveniencia táctica sino por pura necesidad de supervivencia. Esa coreografía de violencia, como la describe explícitamente el propio estudio, convierte cada enfrentamiento en un ejercicio de ritmo casi musical, donde saber en qué momento exacto conviene expulsar a Two More para trepar una pared y flanquear a un enemigo, o cuándo regresar al cuerpo principal para descargar potencia de fuego bruta, determina la diferencia entre superar un encuentro con elegancia o quedar reducido a fragmentos de píxeles parpadeantes. Esa exigencia de gestión constante entre dos recursos interdependientes aporta una capa de profundidad táctica que va mucho más allá del simple disparo reactivo, acercando la experiencia al tipo de satisfacción que ofrecen los juegos de acción que premian dominar un sistema de intercambio de personajes fluido y bien engrasado.
Los ocho biomas que componen el recorrido alternan entre desplazamiento horizontal y vertical, cada uno regido por una física propia que varía sustancialmente el ritmo de juego de un nivel a otro. Recorrer una obra en construcción plagada de peligros mecánicos exige una lectura del espacio completamente distinta a la que demanda sortear una cinta transportadora de sushi convertida en trampa mortal, y esa variedad de escenarios, cada uno vinculado a una hora concreta de la rutina de la antagonista, mantiene fresca la experiencia a lo largo de un recorrido que nunca se permite repetir la misma fórmula de nivel dos veces seguidas. La recolección de los misteriosos triángulos sectarios repartidos por cada bioma añade además un aliciente de exploración opcional, presentado como la única llave capaz de desvelar la verdad detrás de toda esta trama disparatada, y esa promesa de revelación progresiva incentiva examinar cada rincón de los escenarios en lugar de limitarse a avanzar directamente hacia el jefe de turno.
El apartado visual es, sin lugar a dudas, el elemento más arriesgado y a la vez más logrado de todo el proyecto. La dirección de arte, declaradamente inspirada en el trabajo de Satoshi Kon y en cierta rareza visual japonesa, construye un mundo que transcurre literalmente dentro de la tecnología de una calculadora y una pantalla de cristal líquido, con animaciones dibujadas a mano que se comportan como manchas de tinta fluidas y en constante metamorfosis. Ese enfoque de «cristal líquido» aplicado al pixel art tradicional genera una textura visual que nunca deja de sentirse inquietante incluso en sus momentos más entrañables, fusionando lo adorable con lo grotesco de una manera que recuerda tanto a la animación experimental japonesa como a la estética deliberadamente imperfecta de los juegos electrónicos portátiles de los años ochenta, aquellos con sus segmentos de LCD fijos y sus siluetas parpadeantes. El resultado es una identidad visual que no se parece a prácticamente nada más disponible en el mercado actual, y esa singularidad estética por sí sola ya justifica buena parte del interés que despierta el proyecto.
Los jefes finales, descritos como nacidos de una mente completamente desquiciada, elevan la exigencia de reflejos y de dominio del sistema de sinergia entre personajes hasta cotas considerablemente más altas que el resto de encuentros del juego, planteando coreografías de ataque que obligan a alternar entre Future Knight y Two More con una precisión de ritmo mucho más ajustada que la que exige el combate estándar contra enemigos rasos. Esos enfrentamientos funcionan como el auténtico examen final de cada bioma superado, sintetizando en un único combate intenso todo lo aprendido sobre el manejo de ambos personajes a lo largo del nivel precedente, y esa estructura de clímax por hora recorrida refuerza la sensación de urgencia constante que atraviesa toda la premisa del viaje en el tiempo contra reloj.
El tono narrativo, cargado de humor negro y sátira dirigida hacia las estructuras piramidales y el fanatismo sectario, se despliega mediante diálogos y situaciones que nunca se toman a sí mismas con excesiva seriedad, un acierto que evita que la propia extravagancia de la premisa —un robot hecho de restos de actor de telenovela, un tumor benigno con vida propia, una secta capaz de borrar la memoria de la humanidad con la colada— se sienta forzada o gratuita. Esa ligereza tonal permite que la brutalidad del combate y la rareza visual convivan sin fricción con momentos de comedia absurda, construyendo un conjunto que se siente coherente en su propia extravagancia de principio a fin.
El sonido acompaña esa estética de cristal líquido con una producción que evoca los pitidos electrónicos y las melodías comprimidas de las consolas portátiles de los años ochenta, actualizados con una producción moderna que aporta contundencia a los momentos de mayor intensidad de combate sin renunciar por ello al regusto lo-fi que la propia identidad visual del juego exige. Ese acompañamiento sonoro refuerza constantemente la sensación de estar atrapado literalmente dentro de la pantalla de un juguete electrónico de otra época, uno que ha cobrado vida propia con intenciones considerablemente más violentas de las que su apariencia original sugeriría.
Pocos títulos se atreven a construir su identidad completa sobre una estética tan deliberadamente incómoda como la que propone Future Knight, y menos aún logran sostener esa rareza visual con un sistema de combate lo bastante sólido como para justificar por sí solo la inversión de tiempo. Aquí ambos elementos se retroalimentan sin fisuras: la coreografía constante entre Future Knight y Two More encuentra en esa piel de tinta líquida y pantalla de cristal el envoltorio perfecto para una historia que nunca deja de sorprender por lo absurdo de sus propias reglas internas.